martes, 28 de octubre de 2014

Arquitectura musulmana

Características generales
Las dos construcciones más representativas son la mezquita y la alcazaba, aunque también edificaron palacios, mercados, baños públicos y madrasas (escuelas coránicas).
Los edificios árabes, mezquitas y palacios, no son muy altos y están construidos con materiales poco resistentes (ladrillo, yeso, madera). La decoración exterior es muy austera
En el interior cuenta con abundantes elementos decorativos (yesería, mármol, azulejos) ricamente policromados, con temas vegetales, caligrafía árabe o dibujos geométricos.
Algunos de los elementos más característicos de la arquitectura musulmana son: arco de herradura, arcos lobulados y bóveda de nervios.
Elementos decorativos son: caligrafía árabe, lacería, arabescos (ataurique) y mocárabes.

ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS:

Arco de herradura
De origen visigodo, se trata de un arco cuya curva es más amplia que un semicírculo (ultrasemicircular) se acabó convirtiendo en el elemento más representativo de la arquitectura árabe. Comúnmente se rematan con un alfiz (una moldura o marco que rodea la parte exterior de un arco).

Arco de herradura con alfiz del mihrab de la mezquita de Córdoba.

Arcos lobulados
La decoración de los arcos se complicaba añadiendo en su interior pequeños arcos en forma de lóbulos. Fue traído desde oriente a partir del siglo X.

Arcos lobulados del Salón del Trono de la Aljafería de Zaragoza.

Bóveda de nervios
Elemento constructivo curvo que sirve para cerrar un espacio por el techo. Cubría espacios cuadrados con parejas de nervios muy gruesos, que dejaban un espacio central libre.


Bóveda de nervios sobre el mihrab de la mezquita de Córdoba

ELEMENTOS DECORATIVOS:

Caligrafía
Arte de escribir de manera artística para embellecer las paredes de las mezquitas y palacios musulmanes. Comúnmente la caligrafía  se realiza con versículos o suras del corán.

Caligrafía representando suras del Corán

Lacería
Adorno formado por bandas entrelazadas rectas o angulosas dispuestas formando un tema o motivo. Se utiliza profusamente en los azulejos que decoran las paredes.


Decoración de lacería sobre azulejo procedente de Toledo en época musulmana.

Mocárabes
Es un elemento decorativo a base de prismas yuxtapuestos (uno al lado de otro) y colgantes sueltos o arracimados (parecido a las estalagmitas), se sitúan revistiendo bóvedas, cúpulas o el interior de los arcos.


Bóveda de mocárabes en la Alhambra de Granada

Arabesco o ataurique
Decoración o adorno de figuras geométricas que imita formas de hojas, flores, frutos, cintas, que aparece frecuentemente en las paredes de ciertas construcciones árabes.

Decoración de ataurique o arabesco en la Alhambra de Granada.



LA MEZQUITA
Es el edificio destinado al culto, estudio de los textos sagrados y de reunión de los musulmanes. Los creyentes acuden a ella, especialmente el viernes, para realizar sus oraciones colectivas, bajo la dirección de un imán.
Su estructura es muy simple: un gran patios abierto, una sala de oraciones y un minarete.


Partes de la mezquita:
Alminar o minarete: torre desde donde el muecín llama a los fieles a la oración. Punto más alto de la mezquita.
Patio: estructura central porticada a cielo abierto.
Fuente: situada en el patio porticado de la mezquita, sirve para realizar las abluciones (purificaciones)
Sala de oración: Se divide en varias naves, sustentadas por columnas, que miran a la quibla.
Quibla: muro orientado hacia La Meca en el interior de la sala de oración.
Mihrab: pequeña capilla, sala o nicho situado en la quibla.
Mimbar: púlpito desde el que dirige las oraciones el imán.


El arte realizado por los musulmanes en Al-Andalus tiene varias etapas: 
Califal, reinos de taifas, almohade y reino nazarí de Granada.

PERIODO CALIFAL

La Mezquita de Córdoba (Periodo califal)
A mediados del siglo VIII, Abd al-Rahmán I ordenó la construcción de la mezquita de Córdoba, que fue ampliándose hasta que se terminó en tiempos de Al Mansur.
El resultado final fue una de las obras culminantes del arte y la arquitectura musulmanas, ejemplo del esplendor del califato.

Vista aérea de la mezquita de Córdoba (siglos VIII-XI)
Como se puede observar en la imagen, en la sala de oraciones de la mezquita de Córdoba se sitúa la catedral de Córdoba.

Interior de la sala de oración de la mezquita de Córdoba
Uno de los rasgos más originales de la mezquita de Córdoba está en su interior, donde se encuentra una gran sala de oraciones jalonada de columnas, pilares y arcos superpuestos con el fin de resolver los problemas constructivos planteados con la altura y la necesidad de permitir el paso de la luz al interior. Las puertas y las zonas nobles están decoradas con motivos caligráficos árabes entresacados del Corán.


Medina Al-Zahara (Periodo califal)
Poco después de la proclamación como califa, Abd al-Rahmán III decidió la construcción, a unos ocho kilómetros de Córdoba, de esta grandiosa y suntuosa ciudad residencial.
Las obras comenzaron en 936 y la mezquita se inauguró en 941. La familia del califa y su corte se trasladaron a su nueva residencia y se nombraron cadíes, funcionarios y se trasladó la Casa de la Moneda.
Esta ciudad no sobrevivió al califato y a partir de 1010 sufrió saqueos e incendios, que la llevaron a la ruina.

Vista general de las ruinas de Medina al-Zahara, ciudad residencial de Abd al-Rahmán III

Salón Rico de Medina al-Zahara, lugar de recepción de Abd al-Rahmán III

REINOS DE TAIFAS

La Aljafería de Zaragoza (Periodo de las Taifas)
Los soberanos de los reinos de Taifas construyeron sus propios palacios y mezquitas. dentro de la arquitectura de este tiempo destaca el Palacio de la Aljafería, contruido en el siglo XI, uno de los mejor restaurados. Residencia de los reyes de Zaragoza, es un palacio fortificado, con fuertes muros y esbeltas torres. Su interior está ricamente ornamentado. 

Palacio de la Aljafería de Zaragoza. Arquitectura de los reinos de Taifas


Interior de la Aljafería de Zaragoza.

PERIODO ALMOHADE

La Giralda y la Torre del Oro (Periodo almohade)


Giralda de Sevilla. Periodo almohade (1195)
La Giralda de Sevilla, construida a finales del siglo XII, es la más bella obra del arte almohade en España. Se trata del minarete de la desaparecida mezquita de Sevilla. Es una torre de planta cuadrada, de cuatro cuerpos, totalmente cubiertos de decoración.
La torre menor de la parte superior, de cuatro pisos, fue construida en el siglo XVI y se remata con una figura o veleta (giraldillo) que gira, de donde viene el nombre de Giralda. Es el campanario de la actual catedral de Sevilla.


Torre del Oro  de Sevilla. Periodo almohade (1220)
La Torre del oro, construida por los almohades en el siglo XIII, formaba parte del sistema defensivo de la ciudad.

REINO NAZARÍ DE GRANADA

La Alhambra de Granada (Periodo nazarí)
Es el palacio mejor conservado de todo el mundo árabe medieval y el conjunto más bello y completo de la arquitectura granadina. Fue construido durante los siglos XIV y XV en el interior de la alcazaba granadina y en él fijó su residencia la dinastía nazarí.

Imagen del atardecer sobre la Alhambra de Granada
El palacio granadino está constituido por dos conjuntos de edificaciones en torno al Patio de los Leones y al Palacio de Comares. Alrededor de dos grandes patios, el de los Arrayanes o de la Alberca y el de los Leones, se distribuyen habitaciones, salones (Sala de los reyes), baños, miradores sobre el valle (peinador de la Reina) y jardines interiores (Mirador de Daraxa).

Patio de los Leones de la Alhambra
Patio de los Arrayanes y Salón de Embajadores de la Alhambra.

jueves, 5 de junio de 2014

Examen época del Barroco y arte (Renacimiento y Barroco) 2º ESO

DEFINICIONES:
Industria a domicilio, manufacturas, mercantilismo, galeón, compañías comerciales, monarquía absoluta, parlamentarismo, heliocentrismo, geocentrismo, método hipotético-deductivo, empirismo, academias científicas.

DEFINICIONES ARTE:
Renacimiento, Quattrocento, Cinquecento, temas profanos, temas mitológicos, leyes de la perspectiva, perspectiva aérea, técnica del sfumato, escuela de Fontainebleau, Barroco, teatralidad, columna salomónica, exuberancia decorativa, bodegón, tendencia clasicista, pintura academicista, claroscuro, momento fugaz, equilibrio inestable, estatua ecuestre, madera policromada, churriguerismo.

PERSONAJES:
Luis XIV, Copérnico, Galileo Galilei, René Descartes, Isaac Newton.

PERSONAJES ARTE:
Miguel Ángel, Donatello, Ghiberti, Botticelli, Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano, Pieter Brueghel el Viejo, Alberto Durero, Bernini, Caravaggio, Rubens, Rembrandt, Juan Gómez de Mora, Diego Velázquez 

PREGUNTAS DE DESARROLLO:
1. La renovación del comercio
2. La monarquía absoluta y la Francia de Luis XIV
3. Los inicios del parlamentarismo
4. Las bases de la ciencia moderna
5. Los grandes científicos

PREGUNTAS DE DESARROLLO DE ARTE:
1. La nueva concepción del arte renacentista. La arquitectura
2. La escultura y pintura del Renacimiento
3. Los grandes pintores italianos del Renacimiento
4. La mentalidad del Barroco. La arquitectura
5. La pintura y escultura del Barroco
6. El Barroco en la Península. Velázquez y el Siglo de Oro español

miércoles, 4 de junio de 2014

La nueva concepción del arte del Renacimiento. La arquitectura

El Renacimiento se inició en Italia durante el siglo XV (Quattrocento) y alcanzó su plenitud durante el siglo XVI (Cinquecento).

Características generales:
El hombre de Vitrubio. Leonardo da Vinci (1490)
  • Búsqueda de la belleza ideal
  • Cánon renacentista (proporciones perfectas del cuerpo humano). El Hombre de Vitrubio, por Leonardo da Vinci (1490)
  • Ser humano como obra más perfecta de Dios
  • Estudio de la naturaleza y de la anatomía humana
  • Representación de la figura humana y proliferación de retratos
  • El arte se seculariza, apareciendo temas profanos (mitología)
  • Los artistas dejan de ser artesanos, firman sus obras y gozan de prestigio social






LA ARQUITECTURA RENACENTISTA

Características generales:
  • Inspiración en los modelos grecorromanos
  • Columnas y pilastras con los órdenes griegos (dórico, jónico y corintio) y romanos (toscano y compuesto)
  • Arcos de medio punto, frontones, cornisas y cúpulas
  • Las iglesias recuperan la planta centralizada (cruz griega o circular)
  • Se sigue utilizando la planta de cruz latina con tres naves
  • Filippo Brunelleschi y Leon Battista Alberti son los principales arquitectos del Quattrocento.
  • En el Cinquecento edificios más monumentales y robustos. 
  • La Basílica de San Pedro del Vaticano con Bramante y Miguel Ángel (siglo XVI), más tarde Maderno (siglo XVII), arquitectura religiosa.
  • Villa Farnesina por Baldassarre Peruzzi (1511), arquitectura palaciega.
Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma (siglo XVI)
Iniciada a comienzos del siglo XVI, la Basílica de San Pedro del Vaticano simboliza el poder de la Iglesia de Roma. En el renacimiento, Bramante realizó el proyecto inicial, Miguel Ángel Buonarroti proyectó y dirigió la construcción de la gran cúpula sobre le altar mayor y tres ábsides. La fachada, realizada durante el siglo XVII, es obra de Carlo Maderno y la gran plaza con la columnata fue proyectada y realizada por Gian Lorenzo Bernini en 1667 (siglo XVII).


Villa Farnesina, Roma (1511)
Construida por Baldassarre Peruzzi en el barrio del Trastevere de Roma, la Villa Farnesina simboliza el ideal de palacio renacentista. Residencia de una familia de banqueros, fue adquirida por el cardenal Alejandro Farnesio, de quien recibe su actual nombre. 
La Villa refleja a la perfección la suntuosidad con la que vivía la burguesía y los nuevos gustos artísticos. Consta de multitud de estancias, estatuas clásicas, patio porticado, sala de fiestas, mosaicos, frescos, etc.

La escultura y pintura del Renacimiento

ESCULTURA DEL RENACIMIENTO
Características generales:

  • Representan el cuerpo humano
  • Modelos de la Antigüedad grecorromana
  • Se mantienen los temas bíblicos
  • Aparecen temas mitológicos
  • Se trabaja el desnudo, el retrato de busto y el retrato ecuestre
  • Los materiales son el mármol y el bronce
  • Esculturas exentas (bulto redondo) y relieves
  • Escultores principales son Donatello (David) y Lorenzo Ghiberti (Puertas del Baptisterio de Florencia)
  • En el siglo XVI se aprecia un perfeccionamiento de las curvas, dinamismo
  • Miguel Ángel (La Piedad, David, Moisés) desarrolla la expresión de los sentimientos
Puertas del Paraíso, Baptisterio de Florencia por Lorenzo Ghiberti (1452). Relieve en bronce.
Donatello - David - Florença.jpg
David, por Donatello (1440). Escultura en bronce
David, por Miguel Ángel Buonarroti (1504). Escultura en mármol.

PINTURA DEL RENACIMIENTO
Características generales:

  • Voluntad de reproducir la realidad de manera fiel a través de dos recursos:
  • Leyes de la perspectiva: sensación de profundidad
  • Paisajes arquitectónicos y naturales 
  • Desaparecen los fondos dorados del Gótico
  • El fresco y el temple son las técnicas más utilizadas al principio
  • Más tarde, a finales del siglo XV, predomina la pintura al óleo (aceites mezclados con pigmentos minerales)
  • Desaparición progresiva del retablo pictórico
Los Desposorios de la Virgen, por Rafael Sanzio (1504). Pintura al temple y óleo sobre tabla.

Los grandes pintores del Renacimiento italiano

PINTORES DEL QUATTROCENTO (S. XV)
  • Masaccio (frescos de la capilla Brancacci)
  • Piero della Francesca (La leyenda de la Vera Cruz)
  • Sandro Botticelli (El nacimiento de Venus)
El nacimiento de Venus, por Sandro Botticelli (1485). Pintura al temple sobre lienzo.

PINTORES DEL CINQUECENTO (S.XVI)
  • Leonardo da Vinci, inventor de la perspectiva aérea (utiliza la luz y el color para mostrar la profundidad del espacio), y la técnica del sfumato (contornos imprecisos dando sensación de vaguedad y lejanía). Obras: La Gioconda y La Última Cena
La Última Cena, por Leonardo da Vinci (1495). Mural al temple y óleo.
  • Rafael Sanzio, gran retratista, destacó por su dominio del dibujo y la elegancia y armonía de sus composiciones. Obras: La Escuela de Atenas
La Escuela de Atenas, por Rafael Sanzio (1510). Pintura al fresco sobre mural.
  • Miguel Ángel Buonarroti, pintor, escultor y arquitecto, presenta un gran conocimiento de los volúmenes del cuerpo humano y de los gestos que expresan sentimientos. Destacan sus frescos de la Capilla Sixtina del Vaticano
El Juicio Final, frescos de la Capilla Sixtina, por Miguel Ángel Buonarroti (1541). Pintura al fresco sobre mural.

PINTORES DE LA ESCUELA VENECIANA
  • Paralelamente en Venecia se desarrolló una escuela pictórica que dio mucha importancia al paisaje, los retratos y a los temas anecdóticos
  • Destacan los pintores Giorgione y Tiziano (Carlos V en Mühlberg)
Carlos V en Mühlberg, por Tiziano (1548). Retrato ecuestre, óleo sobre lienzo.

martes, 3 de junio de 2014

La mentalidad del Barroco. La arquitectura

LA MENTALIDAD DEL BARROCO
Características generales:
  • Propone nuevos modelos estéticos
  • Abandono del equilibrio y de la armonía renacentistas
  • Aparece la exaltación y la asimetría
  • Se representa el movimiento a través de formas curvas
  • Se busca exaltar los sentimientos del espectador
  • Se representan escenas con sentido de la teatralidad
  • Se utilizan numerosos simbolismos
  • En los países católicos: propagandista de la Contrarreforma (milagros, éxtasis místicos, martirios) para los fieles. La fastuosa decoración de las iglesias es una demostración de fuerza y riqueza eclesial.
  • En los Países protestantes: ausencia de imágenes, austeridad. Las obras son para burgueses (intimismo, cotidianidad). Retratos, temas domésticos, florales, etc.

LA ARQUITECTURA BARROCA
Características generales:
  • Italia, y sobre todo Roma, son el centro de la arquitectura barroca
  • Búsqueda de movimiento y dinamismo
  • Arquitectos como Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini modifican plantas y fachadas de edificios.
  • Líneas onduladas, plantas elípticas u ovales
  • Efectos de luz y sombra en el interior, exuberancia decorativa en muros y columnas (columna salomónica), impresionantes cúpulas.
  • Edificios civiles (palacios, fuentes ornamentales y majestuosas plazas)
  • El resto de Europa sigue una tendencia más clásica en plantas y fachadas, con un claro predominio decorativo.

Iglesia de San Carlos y las Cuatro Fuentes en Roma, por Francesco Borromini (s. XVII).

Plaza y columnata de San Pedro del Vaticano, por Gian Lorenzo Bernini (1667)

La pintura y la escultura del Barroco

PINTURA DEL BARROCO
Características generales:
  • Predominio del color sobre el dibujo 
  • Aunque se sigue pintando al fresco, predomina la pintura al óleo sobre tela
  • Utilización del claroscuro (contraste entre luz y sombra) para modelar formas y conseguir profundidad
  • Búsqueda del movimiento a través de asimetrías, líneas onduladas y escorzos (cuerpos en posición oblícua)
  • Temas mitológicos, históricos y retratos, además de temas religiosos en países católicos
  • Representación de bodegones o naturalezas muertas (objetos inanimados), de la vida cotidiana y paisajes
Tendencias de la pintura barroca en Europa:
  • La escuela italiana: dos grandes corrientes, la clasicista representada por Anníbale Carracci, con mayor rigidez y orden, buscando la belleza ideal; la naturalista cuya máxima figura es Caravaggio (El Santo entierro), que toma la realidad como modelo, representando temas históricos, religiosos y mitológicos
El santo entierro, por Caravaggio (1604). Pintura al óleo sobre lienzo.
  • La escuela francesa: destaca Nicolas Poussin, destaca por su academicismo (sus reglas son estrictas en composición y dibujo) con temas cortesanos
  • La escuela flamenca: en Flandes destaca Peter Paul Rubens (El rapto de las hijas de Leucipo). Característica son predominio del color sobre el dibujo, dinamismo y sensualidad
El rapto de las hijas de Leucipo, de Peter Paul Rubens (1618). Pintura al óleo sobre lienzo.
  • La escuela holandesa: se desarrolló la tendencia realista. Importante papel de la burguesía impulsando pintura con escenas cotidianas, retratos y paisajes. Artistas principales son Rembrandt van Rijn (La ronda de noche), Frans Hals y Jan Vermeer
La ronda de noche, por Rembrandt van Rijn (1642). Pintura al óleo sobre lienzo.

ESCULTURA DEL BARROCO
Características generales:
  • Representación del movimiento
  • Utilización de líneas curvas y oblícuas (equilibrio inestable) que parezca que los personajes han sido captados en un momento fugaz
  • Ropajes y cabellos como agitados por el viento
  • Se busca la expresión de sentimientos (dolor o alegría), gestos dramáticos (para conmover y sorprender al espectador)
  • Se utiliza el mármol (a veces de colores) y el bronce
  • Temas religiosos y mitológicos
  • El escultor representativo es Gian Lorenzo Bernini (Apolo y Dafne)
Apolo y Dafne, por Gian Lorenzo Bernini (1625). Escultura en mármol.

El Barroco en la Península. Velázquez y el Siglo de Oro español

EL BARROCO EN LA PENÍNSULA
ARQUITECTURA
Características generales:

  • Hasta mediados del siglo XVII austeridad herreriana. 
  • A partir de ese momento se desarrolla la estética barroca
  • Complejidad, decoración exuberante
  • Del gusto de los que encargaban las obras (Iglesia, monarquía, nobleza), como del pueblo llano 
  • Arquitectura religiosa: exuberancia decorativa, nuevos conventos e iglesias, espectaculares fachadas como la del Obradoiro en la catedral de Santiago (Fernando Casas y Novoa)
Fachada del Obradoiro, Catedral de Santiago de Compostela (1749). Fernando Casas y Novoa
  • Arquitectura civil: equilibradas, sobresalen las plazas mayores como las de Madrid  (Juan Gómez de Mora) y Salamanca, de forma rectanguar, con una estatua ecuestre en el centro.

Plaza Mayor de Madrid, por Juan Gómez de Mora (1620).

ESCULTURA
Características generales:

  • Claro predominio de las imágenes religiosas
  • Retablos, sillerías del coro, pasos procesionales de Semana Santa
  • Figuras con gran realismo, dramatismo y heroísmo de los personajes
  • La madera policromada (varios colores) es el material preferido
  • A las imágenes se le añaden pelucas, ojos de vidrio, dientes de marfil, calzado y vestido
  • Principales talleres de imaginería Valladolid (figuras con intenso realismo, dolor y patetismo) y Andalucía (más sereno)
  • Escultores famosos son Alonso Cano, Pedro de MenaJosé Churriguera (retablo de San Esteban)
  • Churriguerismo: obra arquitectónica y escultórica del primer tercio del siglo XVIII por la familia Churriguera. Obras dinámicas, recargadas en fachadas y retablos

Retablo del convento de San Esteban en Salamanca, por José Churriguera (1696).

VELÁZQUEZ Y EL SIGLO DE ORO ESPAÑOL
A pesar de los problemas políticos, económicos y sociales que vivía el Imperio Hispánico en el siglo XVII, la altísima calidad de las obras pictóricas y literarias originó el llamado Siglo de Oro español.

  • La temática religiosa domina el arte
  • También se realizan retratos y cuadros mitológicos, escenas cotidianas y bodegones
  • Seguidores de Caravaggio y su naturalismo tenebrista fueron José de Ribera, Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo y Diego Velázquez.
  • Diego Velázquez: genio universal, pintor de la corte de Felipe IV, pintó cuadros costumbristas, retratos (Las Meninas), cuadros históricos, mitológicos, religiosos, paisajes, etc.
  • La técnica de Velázquez: uso magistral de la luz, la perspectiva aérea (sensación óptica de luz entre objetos y figuras), técnica del sfumato y complejas composiciones.

Las meninas, por Diego Velázquez (1656). Pintura al óleo sobre lienzo.

jueves, 16 de enero de 2014

Arquitectura gótica

ARQUITECTURA GÓTICA
Se trata de un estilo con un enorme vigor expresivo, dinamismo y una perfecta unidad conseguida entre la audacia técnica y la forma artística. Algunas de las características más destacadas de la arquitectura gótica son: 
  • Un nuevo concepto del espacio creado por la verticalidad.
  • Utilización del arco ojival o apuntado.
  • Estructuras muy ligeras y esbeltas.
  • Concentración de los empujes por medio de las bóvedas de crucería, arbotantes, pilares y contrafuertes. 

Vocabulario básico:
  • Abside: parte de la iglesia situada en la cabecera que sobresale de la fachada posterior y que, generalmente, tiene planta semicircular (veces puede ser poligonal) y cubierta abovedada. delante del ábside se encuentra el altar mayor.
  • Absidiolos: pequeños ábsides, situados tras la girola, que simbolizan la aureola de la cabeza de Cristo, ocupados por capillas.
  • Arbotantes: segmento de arco, situado por encima del tejado de la nave lateral, que transmite el empuje lateral de la bóveda central al contrafuerte.
  • Arco ojival: el que consta, a partir de dos centros, de dos segmentos de arco que forman un ángulo.
  • Bóveda de crucería: construida a partir de arcos ojivales o apuntados, es ligera y flexible, lo que le permite adaptarse a superficies rectangulares.
  • Contrafuerte, estribo o machón: construcción adosada al muro para reforzarlo y contrarrestar los empujes de las bóvedas.
  • Fachada: presenta mayor altura y complejidad que la románica, suele tener tres puertas coincidentes con las tres naves, cada una de ellas tiene un tímpano y arquivoltas. Sobre las puertas aparecen grandes rosetones con vidrieras, estatuas y gabletes. Los contrafuertes se rematan con pináculos.
  • Flecha, aguja o chapitel: remate de forma muy aguda de una torre, acentuando la verticalidad y grandeza de los edificios. puede tener forma piramidal, cónica, bulbosa y estar hecho con piedra o madera revestido de pizarra o de metal.
  • Gablete: remate ornamental de una fachada, pórtico o ventana, de forma triangular y muy puntiagudo, generalmente calado, coronado por un adorno ondulado (festón).
  • Gárgola: conducto de desagüe, saledizo, del agua procedente de tejados y canales, para que no resbale por el muro. Son particularmente de piedra y se utilizan en el mundo clásico y en la arquitectura gótica. Adoptan formas humanas o de animales fantásticos.
  • Girola: deambulatorio o pasillo que se encuentra, en el arte románico y gótico, en torno al al ábside, que da acceso a varios absidiolos.
  • Muros: son más altos y esbeltos que los de las iglesias románicas. Tienen rosetones y muchos ventanales cubiertos por vidrieras decoradas con motivos religiosos.
  • Pilares: elementos sustentantes, verticales y robustos, generalmente exentos, de sección poligonal. Puede estar construido por adobe, ladrillo o piedra. Suele tener base y capitel, como las columnas.
  • Pináculo: remate puntiagudo, torrecilla de forma piramidal puntiaguda, que desempeña una función estética (embellece y acentúa la verticalidad) y estructural (contrapeso).
  • Retablo: obra de escultura, pintura o mixta que cubre el muro situado detrás del altar. Puede ser de madera, piedra o metal. Suele tener varios cuerpos o pisos.
  • Rosetón: aumentativo de rosa, vano o ventana circular con tracería, sobre piedra calada, en la que se coloca vidrio policromado.
  • Torres: son estructuras muy altas y esbeltas, situadas a ambos lados de la fachada principal o portada. En ellas se colocan las campanas. Se suelen rematar con flechas o chapiteles puntiagudos, lo que otorga a estas catedrales una enorme sensación de verticalidad.
  • Vidrieras o vitrales: armazón o bastidor de madera o metálico con vidrios utilizado en puertas y ventanas. En las catedrales góticas se decoran con imágenes religiosas.

martes, 14 de enero de 2014

Pintura gótica

PINTURA GÓTICA
La estructura delas nuevas iglesias góticas, sustituye parte de los muros por grandes ventanales, lo que reduce mucho el espacio para la pintura. Se va a generalizar la pintura sobre madera: tablas o retablos.
Muchas de las tablas eran encargadas por la propia Iglesia, pero otras lo eran por ayuntamientos o gremios, nobles o burgueses.
A partir del siglo XIV, en los Países Bajos y Flandes, se desarrolla la pintura al óleo, muy realista y detallista.
También aparecen miniaturas que adornaban los libros sagrados, crónicas y relatos.
Características: 
  • Las imágenes tienen un mayor realismo. Descripción  minuciosa y detallista de la vida cotidiana.
  • Expresividad de rostros y gestos. Voluntad de mostrar sentimientos y estados de ánimo.
  • Sensación de movimiento de las figuras.
  • Temas preferentemente religiosos
Tríptico de los siete sacramentos (s. XV). Roger van der Weyden. Museo Real de Bellas Artes de Amberes, Bélgica.
Vocabulario básico:
  • Díptico, tríptico y políptico: unión de dos, tres o más tablas para formar un conjunto donde se representaban escenas de la historia sagrada sobre un fondo muchas veces dorado.
  • Miniatura: pinturas que adornaban libros sagrados, crónicas y relatos. Eran muy coloristas y de gran belleza y perfección. A veces aparecen con imágenes de la vida cotidiana, tanto urbana como campesina.
  • Óleo: procedimiento pictórico que consiste en diluir pigmentos molidos en aceites secantes y aplicarlos sobre tabla o lienzo previamente preparados.
  • Pintura flamenca: propia de los Países Bajos y Flandes, destaca por estar realizada al óleo. Aparecen escenas de la vida cotidiana y privada, en entornos urbanos, de la burguesía. Son escenas y retratos muy detallistas y realistas.
  • Retablo: obra compleja de escultura, pintura o mixta que cubre el muro situado detrás del altar. Puede ser de madera, piedra o metal. Suele tener varios cuerpos o pisos.
  • Tabla: pintura realizada sobre madera, ya sea al temple o al óleo. A veces se colocaban detrás de los altares o en los muros de las iglesias y podían alcanzar gran complejidad. 

jueves, 9 de enero de 2014

Escultura gótica

ESCULTURA GÓTICA

Al principio, la escultura gótica, al igual que la pintura, tenía como principal función la decoración de las iglesias (portadas, gárgolas, capiteles). Su temática era generalmente religiosa.
Los sepulcros se van a convertir en verdaderos retratos de los personajes representados.
El desarrollo de la vida urbana y la aparición de una nueva burguesía con gran poder económico, dieron lugar a la creación de obras de temática no religiosa.
Poco a poco, los burgueses, los nobles de las ciudades y la jerarquía eclesiástica empezaron a embellecer sus palacios y mansiones con obras de artistas cada vez más reconocidos.
Características:
  • La escultura es mucho más realista que la románica, tanto en vestidos como en rostros.
  • Los personajes son mucho más humanos, con proporciones reales del cuerpo
  • Los rostros reflejan sentimientos, a veces son verdaderos retratos.
  • Los personajes adquieren un nuevo volumen y una cierta sensación de movimiento.
  • Comienzan a aparecer obras de autor. Las obras se empiezan a atribuir a artistas conocidos, que cada vez gozan de mayor prestigio.
Catedral de Notre Dame. Puerta de la Virgen (siglos XII-XII). París, Francia.
Sepulcro del Condestable Pedro Fernandez de Velasco (siglo XV). Catedral de Burgos.


Vocabulario básico:
  • Arquivoltas: cada uno de los arcos abocinados de una portada románica o gótica. Aparecen como solución al abrir un vano en un muro grueso y que la entrada a la iglesia no parezca un túnel. La decoración es muy variada: motivos vegetales o zoomórficos, representaciones de personajes religiosos, etc.
  • Capiteles: tienen menor importancia que en el arte románico, se caracterizan por la profusión de elementos vegetales (hiedra, vid, hojas de fresno, hojas de cardo), especialmente las hojas de cardo (cardina). En ocasiones, un capitel corrido decora la parte superior del pilar y de las columnas adosadas.
  • Fachada: presenta mayor altura y complejidad que la románica, suele tener tres puertas coincidentes con las tres naves, cada una de ellas tiene un parteluz, tímpano y arquivoltas. Sobre las puertas aparecen grandes rosetones con vidrieras, estatuas y gabletes. Los contrafuertes se rematan con pináculos.
  • Gárgola: conducto de desagüe, saledizo, del agua procedente de tejados y canales, para que no resbale por el muro. Son particularmente de piedra y se utilizan en el mundo clásico y en la arquitectura gótica. Adoptan formas humanas o de animales fantásticos.
  • Parteluz o mainel: elemento vertical que divide un vano en dos partes. En ocasiones se trata de un pilar o una columna con alguna representación escultórica. 
  • Retablo: obra de escultura, pintura o mixta que cubre el muro situado detrás del altar. Puede ser de madera, piedra o metal. Suele tener varios cuerpos o pisos.
  • Sepulcro: tumbas de personajes importantes que se van a convertir en verdaderos retratos por el detalle y realismo con los que están realizados.

jueves, 24 de octubre de 2013

El arco

Arco, del latín arcus, es el elemento constructivo lineal de forma curvada, que salva el espacio entre dos pilares o muros. Está compuesto por piezas llamadas dovelas y puede adoptar formas curvas diversas. Es muy útil para salvar espacios relativamente grandes con piezas pequeñas.
El arco apareció en Mesopotamia, se utilizó en el Antiguo Egipto, Asiria, Etruria y más adelante en la Roma Antigua. El arco se utilizaba en edificaciones auxiliares, estructuras subterráneas y de drenaje; fueron los romanos los primeros en usarlos en edificios monumentales, aunque se pensaba que los romanos aprendieron su uso de los etruscos. El arco ha sido usado en algunos puentes en China desde las dinastía Sui y en tumbas desde la dinastía Han.
El denominado arco romano es de forma semicircular (medio punto) y construido a partir de un número impar de dovelas, para que haya una dovela central o clave. Los romanos usaron este tipo de arco semicircular en muchas de sus estructuras tradicionales, como acueductos, palacios y anfiteatros
En la Edad Media, el uso del arco con dovelas de piedra alcanzó un elevado desarrollo técnico en la construcción de catedrales; todavía se usa hoy en día en algunas estructuras como en los puentes, aunque con variados materiales.
Los elementos principales (en la imagen) que componen un arco de piedra son:
Las dovelas (2) son piezas en forma de cuña que componen el arco y se caracterizan por su disposición radial. La dovela del centro, que cierra el arco, se llama clave (1). Las dovelas de los extremos y que reciben el peso, se llaman salmer (es la primera dovela del arranque). La parte interior de una dovela se llama intradós (5) y el lomo que no se ve por estar dentro de la construcción, trasdós (3). El despiece de dovelas es la manera como están dispuestas las dovelas en relación con su centro.
La imposta (4) es una moldura o saledizo sobre la cual se asienta un arco o una bóveda. A veces transcurre horizontalmente por la fachada o los muros del edificio, separando las diferentes pantas.
La flecha (6) es la altura del arco y se mide desde la línea de arraque hasta la clave y la luz (7) es el espacio correspondiente al vano, por tanto sería la anchura del arco.
Para contrarrestar los empujes y las cargas del arco, se suelen adosar otros arcos o un sistema de contrafuertes (8) o arbotantes. A veces se utilizan, para sujetar las dovelas inferiores, tirantes metálicos o de madera .

jueves, 26 de septiembre de 2013

La bóveda

Una bóveda es una obra de mampostería o fábrica de forma curva, que sirve para cubrir el espacio comprendido entre dos muros o una serie de pilares alineados.
Se trata de una estructura muy apropiada para cubrir espacios arquitectónicos amplios con piezas pequeñas. Su geometría puede ser de simple o doble curvatura. En edificaciones modernas el término se aplica a estructuras de cubiertas curvadas, en las que el espesor es muy pequeño comparado con el ancho y el largo, también denominadas cáscaras o cascarones.
Tanto en las antiguas bóvedas como en las modernas la solicitación predominante en sus elementos es de compresión. Sus tensiones se asemejan a las de un arco, o un conjunto de arcos conformando una superficie.
Los materiales empleados en su construcción pueden ser de piedra, llamados dovelas, ladrillo, acero, hormigón armado, etcétera. Las dovelas pueden ir aparejadas "a hueso", esto es, sin trabazón, aunque lo habitual es que se unan con un material aglomerante o mortero.
En la Historia de la Arquitectura las bóvedas, de ladrillo o piedra, tuvieron un papel preeminente en la edificación que han perdido con la generalización de las técnicas y materiales de construcción modernos: primero el acero y después el hormigón armado han posibilitado edificaciones adinteladas de grandes luces, antes sólo abovedadas.
No obstante, las bóvedas de hormigón armado son utilizadas profusamente en ingeniería civil para construir galerías, túneles, cubiertas de grandes luces y, en general, todas aquellas obras donde los elementos trabajando a flexión resultan desventajosos desde un punto de vista técnico y económico.

sábado, 18 de septiembre de 2010

El concepto de arte a través de la Historia

El arte es una manifestación del espíritu humano para expresar determinados valores culturales e ideológicos, con una finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones y una visión propia del mundo, mediante recursos plásticos, sonoros, lingüísticos o mixtos.
El término deriva del latín ars, que significa "habilidad", haciendo referencia a la realización de actividades que requieren una especialización. Surge en la Antigua Grecia y se utilizaba en un sentido más amplio que en la actualidad, al referirse a la destreza y habilidad técnica, manual y mental, que requieren ciertas actividades basadas en un conjunto de normas y reglas.
El arte es un componente fundamental de la cultura de un pueblo o una civilización, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores inherentes a cualquier cultura humana a través del espacio y el tiempo. Ofrece al que lo observa una serie de experiencias de tipo estético, emocional e intelectual.
El concepto de arte ha variado a lo largo de la Historia:

























En las culturas prehistóricas, el arte posee una vertiente irracional que lo vincula al mundo de lo trascendente o lo mágico y espiritual, convirtiéndose así en un poderoso vehículo de las preocupaciones humanas. Fue la pintura la que mostró una evolución más clara, desde las tendencias naturalistas del Paleolítico hasta formas esquemáticas y geométricas del Neolítico. Sobresalen esculturas, grabados, pintura parietal y construcciones megalíticas.


































En el mundo clásico se consideraba como un oficio y los artistas eran artesanos que trabajaban con sus manos e intelecto, cuya labor constituía una actividad de prestigio muy reconocida por la sociedad. No obstante, en la Antigua Grecia poetas y filósofos tenían un rango superior al de arquitectos, escultores y ceramistas. La cultura clásica introduce un marcado sentido humanista, pues el arte se halla al servicio del ser humano, ya sea desde la estética griega o desde el sentido práctico de los romanos.



































Durante la Edad Media se enfatizan los rasgos más irracionales del arte y la religiosidad ocupa casi todas las manifestaciones y expresiones artísticas. Se pretende enseñar y adoctrinar al pueblo mediante el arte, lo que conlleva una utilidad pedagógica, instructiva e incluso de propaganda al servicio de unos fines religiosos. El arte se convierte así en una especie de "Biblia de los iletrados". La literatura, la música y la arquitectura son consideradas artes mayores e intelectuales, por contra la escultura o la pintura son artes manuales. El artista no goza de prestigio social ni cultural y las obras son, en su mayoría, anónimas.



































En el mundo moderno se empiezan a reivindicar los conceptos de inspiración y capacidad de invención artísticas. El Renacimiento abandona el menosprecio de las artes figurativas y se define el carácter liberal, noble e intelectual de la pintura y la escultura. Se secularizan los temas tratados, sin perder de vista la religión, y el ser humano aparece como centro de la naturaleza, recuperándose los planteamientos de la cultura grecolatina. El artista se observa como un "personaje cultivado", con una alta formación intelectual, prestigio y reconocimiento social. A mediados del siglo XVIII, aparece el concepto de "bellas artes" (pintura, escultura, arquitectura, poesía, teatro, música y danza) quedando el arte limitado a la producción de la belleza.

















La llegada del mundo contemporáneo consolida la separación entre las artes mayores y las artes utilitarias o decorativas (cerámica, mobiliario, tapiz, esmalte, etc.), aunque durante el siglo XIX observamos que esta separación pierde validez, ya que la diversidad de la producción plástica pone en cuestión esta división. La búsqueda de la belleza deja de ser el objetivo primordial del artista y la esencia misma del arte comienza a cambiar. Se amplían los campos de actuación y aparecen nuevos medios expresivos, técnicas y lenguajes artísticos. Durante el siglo XX el cine, el diseño, la publicidad, la informática y el video se consolidan como vehículos artísticos contemporáneos, tan válidos como los anteriores, y el artista alcanza el mayor grado de libertad creativa y prestigio social y cultural.